Exploring the Role of Emotional Resonance in Shaping Tomorrow’s Spaces at Salone del Mobile Milan 2025

At the heart of this year’s Salone del Mobile lies an evolving discourse about the future of interior design, where the confluence of psychology, aesthetics, and creativity is reshaping the way we perceive, experience, and inhabit spaces. The theme Drafting Futures invites us to reflect on how interior design transcends mere functional structures, becoming an emotional and intellectual experience that draws from the depths of human psychology and creative expression.

 

 

As the design world progresses, it becomes evident that the role of design is not confined to visual appeal alone. Today, spaces are being crafted to engage the human psyche, to evoke emotions, and to establish a profound sense of connection between the occupant and their environment. This pursuit of emotional resonance—rooted in the nuanced field of environmental psychology—is now as critical as the materiality and form of the space itself.

 

 

The relationship between psychology and interior design is a delicate dance of elements. The careful orchestration of color, light, texture, and spatial layout can influence the mood, productivity, and even the physical well-being of those who interact with these spaces. It is in the subtleties of design that we begin to see how spatial perception shapes our experience. A thoughtfully designed room, for instance, can instill calm and relaxation or foster creativity and focus, depending on how elements like proportion and scale are manipulated.

 

The aesthetic dimension of this psychology-infused design is far from superficial. It goes beyond visual beauty and delves into how aesthetic choices affect human perception and behavior. The rise of biophilic design, for example, is not just about introducing natural elements into urban interiors but also about tapping into the inherent human need to connect with nature. Materials such as reclaimed wood, stone, or living plants are not merely decorative—they offer tangible psychological benefits that reduce stress and enhance cognitive function. This is where the emotional intelligence of design plays a pivotal role: creating spaces that nurture the soul while attending to the functional demands of modern living.

 

 

Furthermore, creativity remains a cornerstone of this dialogue. As designers, we are asked not only to craft aesthetically pleasing environments but to create spaces that are imbued with meaning, that tell stories and invite imagination. The intersection of creativity and psychology in interior design allows for the exploration of cognitive ergonomics—design that adjusts not just to the user’s physical comfort, but to their emotional and mental needs. Whether through the fluidity of curved lines that encourage relaxation or the interplay of light and shadow that evokes mystery, design becomes a medium for creative storytelling. Every choice, every material, every form holds the potential to communicate something deeper than function alone.

 

At Salone del Mobile Milan 2025, this interplay between psychology, aesthetics, and creativity will be explored through a myriad of installations and discussions. It is an invitation to consider how design can function as a catalyst for transformation. How can spaces foster an emotional connection that resonates on a deeply personal level? How can designers harness the power of creativity to transcend traditional notions of beauty and function, and instead, offer immersive environments that impact the mind, body, and spirit?

 

 

As the conversation moves forward, it is clear that the future of interior design is one of heightened awareness—of the psychological power of space, of the responsibility to create environments that go beyond aesthetics, and of the endless possibilities for creativity. This evolving approach not only challenges us to rethink how we design but also compels us to ask why we design. The spaces of tomorrow will no longer be just physical shelters but sanctuaries that engage us intellectually, emotionally, and socially.

 

In a world that is increasingly complex and interconnected, interior design stands at the crossroads of technology, nature, and human experience. As we draft the future of design, the focus must remain on creating spaces that reflect our shared humanity, spaces that not only respond to the changing needs of the individual but resonate with the collective soul. The dialogue at Salone del Mobile Milan 2025 will undoubtedly serve as a catalyst for this transformative journey, where design becomes not just a discipline but a force for meaningful change.

 

Yana Pireva

 

 

 

Già nel 2024 il Salone del Mobile aveva tracciato un solco importante nel dialogo tra cinema e design, sottolineando come entrambi condividano la capacità di costruire mondi e trasmettere emozioni. Il progetto cardine di quell’edizione è stato “Interiors by David Lynch. A Thinking Room”, un’installazione concepita dal celebre regista americano, che trasformava lo spazio in una sorta di rifugio mentale, intimo e simbolico.

Lynch ha portato la sua poetica visionaria dentro il Salone, offrendo un’esperienza immersiva dove il design diventava introspezione, sogno, inquietudine e desiderio, in perfetto stile cinematografico. Le luci, i materiali e la disposizione degli arredi parlavano un linguaggio narrativo e psico-emotivo, molto vicino al cinema d’autore.

 

 

Questa contaminazione tra cinema e design ha dimostrato come lo spazio fisico possa essere pensato come una scenografia, capace di riflettere l’interiorità umana, i contrasti e le tensioni narrative. Un dialogo che nel 2025 si è ampliato e strutturato, ma che ha le sue radici proprio in quella importante riflessione sull’identità sensibile e narrativa degli ambienti.

 

 

Cinema e Design: Un Dialogo Visivo e Narrativo al Salone 2025

Al Salone del Mobile 2025, la connessione tra cinema e design si fa più intensa che mai, in una contaminazione creativa che celebra la forza del racconto visivo. Il design, come il cinema, è narrazione: entrambi costruiscono mondi, evocano emozioni, mettono in scena atmosfere. Quest’anno, questa sinergia prende forma attraverso installazioni immersive, scenografie evocative e progetti che si ispirano direttamente al linguaggio cinematografico.

Il Salone accoglie registi, scenografi e designer in un’unica grande narrazione spaziale, dove oggetti e ambienti diventano protagonisti di storie che parlano di memoria, futuro e sostenibilità. In particolare, la presenza di autori come Paolo Sorrentino e la partecipazione di set designer provenienti dal mondo del cinema sottolineano quanto il confine tra le due discipline sia sempre più fluido. Il design non è più solo funzione e bellezza, ma diventa esperienza da vivere, storia da abitare, proprio come accade sul grande schermo.

 

 

Ha un nome evocativo e toccante l’installazione che Paolo Sorrentino inaugurerà in occasione del Salone de Mobile 2025. Si intitola La dolce attesa e, sono parole del regista, «sarà uno spazio atemporale, un ponte invisibile tra presente e futuro, in cui il desiderio si intreccia con il timore di incontrare il proprio destino». Destino che per i napoletani è da sempre visto come una forza ineluttabile, qualcosa che guida gli eventi e che l’uomo può solo accettare con saggezza e ironia. Una  sorta di danza tra il presente e il futuro, un’attività che incarna la tipica resilienza di questo popolo diverso da tutti gli altri.

«L’attesa è un vuoto da riempire o un’opportunità da accogliere, spesso è pura angoscia», spiega il regista di Parthenope. «La dolce attesa sarà dunque un viaggio, capace di stordire e ipnotizzare».

La Dolce Attesa: l’Ispirazione come Spazio Sospeso

Nel cuore pulsante del Salone del Mobile 2025, tra tecnologia, forme e materia, un’installazione si staglia come una parentesi poetica, un rallentamento volontario del tempo: “La dolce attesa” di Paolo Sorrentino, allestita tra i padiglioni 22 e 24, ci invita a un’esperienza che esula dal prodotto per entrare nella sfera dell’essere.

 

 

L’opera, ispirata a una sala d’ospedale, si fa metafora radicale dell’esistenza: uno spazio di transizione in cui il tempo si dilata e il corpo, ma soprattutto la mente, è costretta a fermarsi. Ma è proprio in questa sospensione, in questa terra di mezzo, che il design torna alla sua funzione più profonda: ispirare. Perché il design non nasce solo dalla funzione, ma anche e soprattutto da un vuoto fertile, da un momento di attesa in cui la visione si compone lentamente, come nei sogni.

Sorrentino trasforma la sala d’attesa – luogo di ansia, diagnosi, incertezza – in un tempio dell’interiorità, in un carosello delicato dove si può finalmente ascoltare il proprio respiro e riscoprire il tempo come materia viva. In questa installazione, l’attesa non è più solo vuoto da riempire, ma diventa spazio creativo, luogo originario dell’ispirazione. È qui che design e arte si fondono per restituirci una nuova forma di consapevolezza: l’ispirazione come processo lento, profondo, necessario.

 

La dolce attesa: l’ispirazione come spazio sospeso

 

La scelta di mescolare elementi ospedalieri e giostre infantili è un gesto quasi zen: ci mette di fronte alla fragilità della condizione umana, ma anche alla sua possibilità di leggerezza. La scenografa Margherita Palli – maestra della costruzione scenica – accompagna Sorrentino in questo viaggio emotivo, confermando che il design è anche mise-en-scène dell’anima: disegno dello spazio, sì, ma anche disegno di ciò che lo spazio ci restituisce interiormente.

In questa chiave, “La dolce attesa” si lega idealmente al concetto di design biofilico e alla filosofia di “Thought for Humans” già protagonisti al Salone 2025. Non più oggetti da possedere, ma esperienze da attraversare. Ambienti che ci ricordano che vivere bene non significa solo abitare uno spazio bello, ma sapersi fermare, ascoltare, lasciarsi attraversare.

Come scriveva Italo Calvino, “l’attesa del tempo è la sostanza stessa del tempo”. In un’epoca che ci vuole sempre veloci, produttivi, connessi, Sorrentino ci riporta al cuore dell’ispirazione: quella zona silenziosa dove ogni cosa può ancora accadere, dove l’idea non è ancora forma, ma desiderio, intuizione, apertura.
E forse è proprio lì che nasce il vero design.

Accanto a “La dolce attesa” di Paolo Sorrentino, il Salone del Mobile 2025 ospita un’altra installazione di straordinaria intensità: “Mother”, l’opera totale di Robert Wilson, allestita nel cuore simbolico di Milano, il Castello Sforzesco. Qui, la Pietà Rondanini di Michelangelo – forse la più intima e incompiuta delle sue sculture – viene immersa in una dimensione sensoriale dominata da luce, suono e silenzio, che trasforma lo spazio museale in una liturgia laica dell’assoluto.

Wilson, maestro del teatro visivo e dell’astrazione, non si limita a esporre un’opera: ne dispiega l’aura, creando un’installazione che è al tempo stesso contemplazione e rivelazione. In Mother, il tema della maternità non è solo biologico o narrativo, ma esistenziale: madre come archetipo, come origine e fine, come grembo del tempo e del dolore.

Se Sorrentino esplora l’umano attraverso l’attesa, Wilson affronta l’ineffabile, il mistero dell’essere e del trapasso, la bellezza tragica dell’incompiuto. Il design qui si fa presenza immateriale, vibrazione luminosa, forma dell’invisibile: ispirazione che non nasce dalla materia, ma dal vuoto che la circonda. Un’esperienza che interroga il senso stesso della creazione – artistica, spirituale, umana – e che, nella cornice rinascimentale del Castello, si fa ponte tra epoche, linguaggi e percezioni.

 

Roberto Leone

 

 

 

 

«If you take contemporary art, place it in a beautiful landscape and enjoy a magnificent wine, it is a much more satisfying experience than appreciating these individual things each for themselves», said Allan Warburg, owner together with his wife Wei of the Donum Estate winery, one of the major Californian producers of Pinot Noir, on August 1 2023, the day of the inauguration of the Vertical Panorama Pavilion at the winery headquarters.

of the pavilion features 832 laminated panels of recycled glass and is supported by 12 stainless steel columns. Built to accommodate up to 12 guests, the pavilion is both grand and intimate.

The site chosen for the construction of the pavilion is a special place on the estate. From this area you can in fact admire panoramic views of the vineyards, the bay of San Pablo and also on The Donum Collection, the collection of site-specific works of art by Mei and Allan Warburg, owners of Donum Estate. It consists of over 50 large-scale sculptures and installations placed outdoors on the estate and created by world-renowned artists including: Ai Weiwei, Ghada Amer, Doug Aitken, Lynda Benglis, Louise Bourgeois, Keith Haring and Subodh Gupta.

In this context, the pavilion also arises from a profound synergy between art and architecture and is a privileged place from which to admire the panorama, living an experience capable of touching all the senses. Its conical roof has a central oculus facing north. The 832 colored glass panels that cover it depict the annual averages of the four environmental parameters to be taken into account in the cultivation of vines: solar radiation, wind intensity, temperature and humidity. The colors chosen are those of the Sonoma Valley, to underline once again the link with the territory and the surrounding vineyards, also enclosing in the architecture the elements and microclimates that have contributed to the creation of that precious wine.

Roberto Leone

All images © Vertical Panorama Pavilion at the Donum Estate, 2022, Studio Other Spaces – Olafur Eliasson and Sebastian Behmann – Photo: Adam Potts.

Architects: Studio Other Spaces – Olafur Eliasson and Sebastian Behmann http://www.studiootherspaces.com

Nell’analisi delle tendenze nel campo degli interni, emerge che l’evoluzione di questi spazi avviene in modo più lento rispetto alle mode e alle acconciature. Tuttavia, è sorprendente quanto possa variare di anno in anno.

In questo articolo, esploreremo lo spazio della cucina inteso come ambiente aperto, teatro di relazioni, connessioni e momenti di socializzazione. Qui, il gusto della tradizione si fonde con visioni raffinate e tecnologiche per il futuro.

Il sipario sull’universo della cucina, intesa come progettualità creativa, rappresenta uno dei settori più attenti all’incorporazione delle nuove tendenze abitative, riflettendo i cambiamenti nelle abitudini e adattandosi alle trasformazioni della società.

Nel corso dell’ultimo secolo, la cucina è passata da un ambiente tecnico, spesso nascosto, a un elemento centrale da esibire. L’abbattimento delle tradizionali suddivisioni tra ambienti chiusi ha gradualmente portato alla concezione di cucina come parte integrante di uno spazio aperto, fondendosi con la zona giorno. Da spazio da nascondere, a causa della sua semplicità, è diventata un luogo di celebrazione della convivialità e della condivisione, con tavolate che si distinguono nettamente da quelle delle mense o di luoghi più spartani.

Di seguito, analizzeremo la trasformazione della cucina dall’immediato dopoguerra in Italia.

 

ANNI 60’ I PRIMI COLORI

Nel contesto dei cambiamenti consolidatisi nella società durante gli anni ’60, insieme all’evoluzione del mondo del lavoro e delle abitudini di mercato, anche il design delle cucine ha subito significative trasformazioni.

In questo periodo, il legno inizia a cedere il passo alla formica come materiale predominante per le ante della cucina, il piano di lavoro e le sedute.

I colori utilizzati riflettono l’ottimismo tipico di quell’epoca, con tonalità vivaci e accese come il giallo, il rosso e il verde estendendosi anche ai primi elettrodomestici. Le forme sinuose, le curve morbide e le linee fluide caratterizzavano maniglie, rubinetti ed elementi decorativi. In sintesi, le cucine italiane degli anni ’60 si caratterizzavano per uno stile giocoso, colorato.

 

ANNI 70’: NUOVI PATTERN

Gli anni ’70 rivivono dello stile di una cucina retrò con tutta la loro dirompente personalità portando in eredità pattern visivi e colori psichedelici ispirati agli hippie e alla discomusic.

La cucina degli anni ’70 rappresenta un equilibrio tra tradizione e modernità. È dominata da mobili dalle linee arrotondate e sinuose, con colori forti, persino fluorescenti. I dettagli spesso risultano da un mix di ispirazioni e contaminazioni diverse, creando un ambiente unico e vibrante.

 

 

 

 

 

 

ANNI 80:  LE LACCATURE

Gli anni ’80 furono un decennio di contrasti anche. Rimasero in voga i colori decisamente forti che portavano energia nello spazio di lavoro. Le tonalità fluo e pop, come il rosa shocking o il giallo intenso, erano i più gettonati. La tecnica del color block, che consiste nell’abbinamento a contrasto di più colori (come il rosso e il blu elettrico), era popolare. Questo stile spesso si rifletteva nelle pareti e nei pavimenti rivestiti con piastrelle dai motivi geometrici e colori sgargianti.

I materiali utilizzati cambiarono leggermente, introducendo alla formica la plastica e l’acciaio inossidabile

In questo decennio, nacque il concetto di “open-space”: gli spazi si fecero aperti e cominciavano a convivere nello stesso ambiente cucina, sala da pranzo e soggiorno senza troppe divisioni. L’angolo TV, grazie anche alle nuove tecnologie di home entertainment e ai primi sistemi di Dolby Surround, diventò l’elemento di spicco sia per unire la famiglia che per mostrare lusso. Le cucine divennero ambienti funzionali, con linee pulite e vagamente spaziali. I maniglioni e le cerniere visibili erano comuni, donando un tocco industriale. Il tutto era avvolto e “impacchettato” con carta da parati, che faceva da sfondo ai mobili in lacca, un vero must negli anni ’80.

Gli elettrodomestici come microonde e forni a convezione divennero sempre più comuni, insieme a macchine per il caffè e frullatori, spesso lasciati in vista. Tappeti da cucina con stampe audaci erano spesso presenti.

 

ANNI 90: L’ARREDAMENTO PRATICO

Gli anni ’90 in Italia sono stati un periodo di cambiamenti significativi, sia nella moda che nell’arredamento, comprese le cucine. Le separazioni degli spazi di un tempo hanno definitivamente ceduto il passo alle nuove abitudini di vita. Se fino a qualche anno fa la cucina era riservata alla famiglia, ora è diventato definitivamente il punto di accoglienza per gli ospiti. Gli spazi si sono fatti necessariamente più ampi e versatili, e gli arredi si sono adattati alle nuove esigenze. Le cucine sono diventate sempre più complete e ricche di elettrodomestici, diventando il luogo preferito dagli italiani. Non a caso è in questi anni che nascono decine di trasmissioni TV che parlano di cucina.

La cucina subisce l’influenza della moda anni 90’ dove dominava il minimalismo. Questo stile si rifletteva con mobili dalle linee essenziali e colori neutri come il bianco, il nero, avorio e il beige. È in questo periodo che nasce il concetto di Quiet Luxury (l’eleganza sussurrata) che si traduce nell’arredo con colori neutri ma anche con tonalità pastello come il giallo paglierino. Questi colori creavano un’atmosfera sobria, considerando il contesto degli anni precedenti.

Le cucine degli anni ’90 hanno inoltre abbracciato il concetto di mobili componibili, consentendo flessibilità e personalizzazione nello spazio. Dalla metà alla fine degli anni ’90, i colori sono diventati più tenui, poiché tonalità come il salvia e il verde cacciatore hanno guadagnato popolarità, soprattutto perché si abbinavano bene agli elettrodomestici neri e inossidabili.

 

CUCINE ANNI 2000 FUNZIONALI, PRATICHE E LUCIDE

Il nuovo millennio ha portato con sé una nuova estetica di moda e le tendenze attraversando fasi interessanti e variegate.  All’inizio degli anni Duemila, le cucine divennero oltre che minimaliste lucidissime. I mobili da cucina persero ogni elemento decorativo, come maniglie e fregi e divennero quasi futuristici. La finitura lucida delle cucine divenne particolarmente popolare e donava all’ambiente una grande luminosità, amplificando la luce naturale o artificiale. Le cucine lucide spesso utilizzavano colori neutri come il bianco, il nero o il grigio. Tuttavia, negli anni 2000, si iniziò ad abbinare la finitura lucida anche a colori più audaci come il carta da zucchero, il verde petrolio o il rosso scuro. Il legno scomparve, lasciando spazio a superfici lisce e brillanti.Gli elettrodomestici in acciaio  che nel corso del tempo erano diventati popolari vennero piano piano integrati nei moduli della restituendo una cucina più snella con forme sinuose e palette sgargianti.

 

STILE E TENDENZE OGGI

 

L’ultima edizione di Eurocucine 2022 ha integrato la proposta tecnologica con la sostenibilità e l’eredità della pandemia di Covid. La cucina è stata presentata come un ambiente conviviale, in cui la tecnologia si integra nella quotidianità per semplificare ogni tipo di mansione. Questo avviene all’interno di uno spazio vivibile e di ampio respiro, indipendentemente dalle dimensioni della stanza.

Nell’ultimo decennio, la cucina ha consolidato il suo ruolo focale all’interno dell’ambiente domestico. Grazie alla moltitudine di programmi televisivi con chef stellati, si è riscoperto il piacere del cucinare, riportando in auge l’eccellenza della tradizione culinaria italiana. Di conseguenza, sempre più attenzione è riservata alla funzionalità della cucina: stoccaggio, preparazione, cottura e assaggio diventano punti fondamentali nell’atto del cucinare, ciascuno con le proprie esigenze e requisiti.

Nell’ambito dell’abitare, la cucina ha rapidamente spostato la lancetta verso un futuro fatto di soluzioni ad alto contenuto tecnologico e progetti creativi che uniscono funzionalità e domotica. Questo per rispondere alle esigenze di ottimizzazione e personalizzazione degli spazi.

Gli elementi smart e le applicazioni hi-tech contribuiscono a rendere la cucina più “intelligente” e semplificano la vita quotidiana

 

Erika Gaburro

During Art Basel 2022 in Basel one of the most important leaders in the Automotive sector such as BMW took the opportunity to present the art installation Pulse Topology in collaboration with Rafael Lozano-Hemmer.

Rafael Lozano-Hemmer, Mexican born in 1967, has once again distinguished himself in enclosing in a single work the aesthetics that teach architecture, the precision of technology and the engaging immersion of a work that focuses on the interaction of the participants with the same.

Pulse Topology is a work that envelops spaces with shadows and light: it is in this alternation of the latter that the complexity of this project is manifested.

The drafting of the work develops with thousands of light bulbs suspended at different heights that create soft waves above the spectators. Once you get under the surface that these light bulbs create, you have the impression of being in a magical and intimate place where, although the light alternates with them being switched on and off, you feel the space in a natural way and without discomfort opticians.

At the lowest points of these waves there are heart rate sensors where participants can communicate their biometric data by approaching them. Sensors are given the task of transforming this data into audiovisual experiences by means of lights.

Pulse Topology is therefore an environment of light, shadows, sound and listening to one of the most emblematic parts of us human beings: the heartbeat and the physiological pulsation of our heart.

It may be thought that it is no coincidence that the heart rate is combined with the switching on of the light bulbs. The common denominator of both, although the movements are of a different mechanical nature, lies precisely in the electrical impulse: it is the latter the means by which this work comes to life.

In the heart there are internal electrical systems, through which impulses travel to make the muscle fibers contract and give life to the heartbeat. The light bulbs, on the other hand, work using the impulse of the electric current that passes through the filament inside the bulb, this once heated causes the electrons to shake, accelerating them in all directions and making them emit light.

The work that at first sight is a manifesto that symbolizes our life and our emotions through light is also an open reflection on the other side of the coin. Opposed to the life of the lively and brilliant heartbeat is the concept of Memento Mori. The heartbeats of the visitors, represented in real time by the sensors, remain in the “beats” of the lamps only as long as the reader reads them and then gradually fade away to make room for the next passer-by, reminding us that we are just passing through. The genius of Rafael Lozano-Hemmer is precisely in this use of technology: the use of increasingly sensitive sensors does not go alongside the concept of the bionic and immortal superman, but on the contrary to a vision where man remains mortal even if surrounded by the most modern and avant-garde technologies.

The work will remain viewable overseas at Superblue in Allapattah Miami from November 2022 to August 2023.

Erika Gaburro